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1、附一些乱乱的笔记 ...
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《你不是我的理想伴侣》中的三处引用/灵感
一、第14章中关于“无聊”的表述
二、第21章开头关于录音的观点
三、第26/27章中关于星星的描述
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一、第14章中关于“无聊”的表述引自韩炳哲《倦怠社会》中《深度无聊》这一节
——《你不是我的理想伴侣》原文：
她就说了一堆书面用语，大意是说每天高强度的工作让人根本没有闲下来的时间，就算是碎片时间也要被各种各样的短视频和短文占据。一不让自己忙起来，人就要焦虑，一让自己无聊了，就觉得是在浪费时间。好像不让自己停下来才能显得自己生活得很充实，但这种充实也只能骗骗自己而已。而深度无聊恰恰是一个人放松和沉淀的时候，这种时候也是创造力最活跃的时刻。一个不能忍受无聊的人，无异于把自己当做了一台机器。
她不想当机器，她想无聊一下。
——《深度无聊》原文（复制于微信读书）：
过度的积极性还可以呈现为过度的刺激、信息和资讯，它从根本上改变了注意力的结构和运作方式。感知因此变得分散、碎片化。此外，日益增长的工作负担要求一种特殊的时间和注意力的管理技术，这反过来也影响了注意力的结构。作为一种时间和注意力的管理技术——多工作业(Multitasking)，并不代表文明的进步。多工作业不是人类新掌握的技能，以便适应现代晚期信息社会的需求。更确切地说，它代表了一种倒退。当动物身处野外捕猎区时，普遍存在多任务处理。这种注意力的管理技术是荒野求生的必备技能。
一只正在进食的动物必须同时处理几项其他的任务。例如，它必须阻止敌人靠近自己的捕获物。它必须时刻小心，确保自己在进食的同时不被吃掉。它还要同时守护自己的后代和伴侣。在自然捕猎区，动物们不得不将自己的注意力分散到不同的活动中。因此它不能专心、沉浸于任何活动之中，无论是进食或□□。动物不能专注、沉湎于眼前的对象，因为它必须同时注意背景环境。除了多工作业，还有其他一些活动，例如电脑游戏也会形成一种宽广但肤浅的注意力，同野生动物的情形相似。最近的社会发展以及注意力的结构转变促使人类社会越来越类似于自然捕猎区。例如，职场霸凌(Mobbing)如今已经泛滥成灾。过去人们关心如何拥有美好的生活，其中也包含了如何融洽地共同生活，如今人们则只考虑如何存活下去。
人类在文化领域的成就，包括哲学思想，都归功于我们拥有深刻、专一的注意力。只有在允许深度注意力的环境中，才能产生文化。这种深度注意力却日益边缘化，让位于另一种注意力——超注意力(Hyperaufmerksamkeit)。这种涣散的注意力体现为不断地在多个任务、信息来源和工作程序之间转换焦点。由于这种注意力不能容忍一丝无聊，因此它也绝不接受一种深度无聊，而这种深度无聊恰恰对于创造活动具有重要意义。□□·本雅明把这种深度无聊称作“梦之飞鸟，孵化经验之蛋”[插图]。如果说，睡眠是身体放松的最高形式，那么深度无聊则是精神放松的终极状态。一味的忙碌不会产生新事物。它只会重复或加速业已存在的事物。本雅明哀叹，由休息和时间构筑的梦之鸟的巢穴在现代社会日渐消失。再没有“编织和结网”的活动。无聊是一块“温暖、灰暗的布，里面却有耀眼夺目、五彩缤纷的内衬”，“当我们在做梦时，我们便包裹在其中”。我们置身于“它内衬上的阿拉伯式花纹上，感到熟悉而惬意”[插图]。没有了放松和休息，我们便失去了“倾听的能力”，也便不存在“倾听的群体”。他们同我们这个过度积极的社会是直接对立的。“倾听的能力”恰恰以沉思的专注力(Aufmerksamkeit)为基础，而过度积极的主体无法抵达这一领域。
如果一个人在行走时感到无聊，又没有办法忍受无聊的话，他会焦虑、烦躁地转来转去，并且急切地寻找各式各样的活动。而那些对无聊更有耐心的人，将在忍耐了片刻之后意识到，也许是这种行走的方式令他感到无聊。这促使他去发明新的行走方式。跑步并不是新的行走方式，它只是加快速度的行走。舞蹈或者漂移则是全新的运动方式。只有人类能够跳舞。也许他在行走时体会到一种深度的无聊，并在无聊的激发下，将行走步伐改为舞步。然而同线型、笔直的走路相比较，动作花哨的舞蹈显得过于铺张，完全不符合效绩原则的要求。
我们在谈论“沉思的生活”(Vita contemplativa)时，不应同时试图召回那个最初产生这则格言的世界。那个世界和一种存在经验相连，按照这种经验，美和真理是永恒不变、遥不可及的，没有人类有权获得它们。其基调是一种对于事物之本质(das So-Sein der Dinge)的惊奇，祛除任何塑造或加工。新时代的、笛卡尔式的怀疑消解了这种惊奇。然而沉思的能力并不必须和永恒不变的存在相连。恰恰相反，只有沉思的专注力才能解读悬浮不定之物，隐蔽或飘忽即逝之物。[插图]只有停留在沉思之中，才能进入悠长、从容的状态。持久的形式和状态消除了一切过动症状。
保罗·塞尚(Paul Cézanne)是沉思专注方面的大师，他曾表示能够观看到事物的芬芳。将气味转化为视觉印象，这需要一种深度注意力。在沉思状态中，人能够从自身出离，将自己沉浸于事物之中。梅洛——庞蒂把塞尚对风景的深沉关注形容为一种“去物化”(Ent?u?erung)或“去内化”(Entinnerlichung)过程：“首先，他试图清晰地勾勒出地表的形态。然后他纹丝不动地固定在一个位置，观看（风景）一直到眼睛快从脑袋里蹦出来，如同塞尚夫人所言。……他曾说，风景在我体内思考，我是它的意识。”[插图]只有深度专注力才能约束“飘忽不定的双眼”，由此产生一种“聚精会神”(Sammlung)，在这种状态下，“自然那好动的双手安分地叠放在一起”。如果缺少这种聚精会神，目光将迷乱地四处张望，无法呈现出任何事物。然而艺术是一种“表达行为”。尽管尼采用意志取代了存在，但他也同样认为，如果把一切悠闲沉思从人类生活中去除，那么人类将终结于一种致命的超积极性(Hyperaktivit?t)之中。“由于缺少安宁，我们的文明将逐渐终结于一种新的野蛮状态。行动者，即那些永不安息的人如今大行其道，超越以往任何时代。因此，人们应当对人性做出必要的修正，在其中大量增加悠闲冥想的成分。”
二、第21章开头部分关于录音的观点主要引自阿方索·卡隆的《罗马：幕后纪实》，其他偏感悟类的引自其他几部关于电影声音的纪录片
很神奇，《罗马：幕后纪实》其实并不是讲声音的，但我觉得里面关于情境构建的观点很适合用在录音上，所以套用在了文里。
——《你不是我的理想伴侣》部分原文：
她大三的时候去过录音棚实习，那两年她也集中收集过声音素材，不过很少拿出来用。除非特殊情况，她认为声音是有时效性的，当时当刻录的声音拿到现在用就不准确了。
所谓的当时当刻，是由时间和空间构成的特定情境，是牵一发而动全局的场域。但时间不会倒流，所以只能在空间上下功夫。一旦过去的空间搭建成功，时间也自然而然会重新流转起来。
而任意一部电影，都是角色在一个又一个情境当中流动。情境包含了声音，倘若声音不对，情境也会随之变化，情境一变，角色跟着变，电影也就不对了。
所以叶潇觉得不对劲，归根结底都是因为在情境构建上出了问题。
……
“《路德维希》看过么？维斯康蒂的。”周小玩问。
叶潇庆幸自己前不久刚看过，不然就有点尴尬了。
“那你记得里面出现过一块蛋糕么？”
“……不记得了。”还是尴尬了。
——观看《罗马：幕后纪实》时做的记录，记录于2024.03.14，复制如下（晋江没有重点标注功能，看上去会是一大坨）
1.我有数百条关于我记忆的笔记，不仅仅是事件轶事，也包括小细节
2.没有剧本，非常松散的叙事大纲，都是源自内心的感受
3.冰箱里要装满各种袋子包裹什么的，满到根本没法找到你要的东西
4.时间空间感，气味
5.见了数千名女性，找最合适的人
6.演员从未拿到过剧本——我分别对每一个演员说了只有他们才知道的事
7.我们把一场戏的站位定好之后，这点总是必要的，我们要固定机位，我限制了排练次数，以免白费了其中的精彩时刻，我们基本是边拍边排练
8.和小孩子拍戏的难处是要将他们挂在嘴边的文化元素抹去
9.群演——很认真，服饰，民族，叫卖声，吹泡泡
10.这是我有史来第一次有意识地决定，不许自己借鉴别的作品，别的电影，我一个都不想要，一次都没允许。欧亨尼奥【摄影师】很喜欢一个画面，我说，不行，我们得换一个，对那很漂亮，但那不是我的，那感觉是一种借鉴，我不想那样，于是我们重新构图，欧亨尼奥还是更喜欢另外一个，我同意那个更好，但这个是真实的，这个没有借鉴别的作品
11.布景对我来说至关重要，我想要的并不是一个完美理想的时机，我想让演员们给我现实生活的真实时机
12.在拍长镜头时，你不能作出一种诠释然后重复它，在拍别的镜头时已完全相同的方式呈现，用以保持连续性，然后拍备用镜头，那样的话，你会被第一种诠释束缚住，在这部电影里，我们不断变化，不断发现新事物
13.很多时候已经拍了一个很好的镜头，我们又拍了62次，我们想要捕捉的是一个真实的瞬间
14.在维斯康蒂的《路德维希》中，有一块蛋糕，他要求使用原始配方，他可以选择用一个假的装饰过的蛋糕，但他坚持使用原始配方，这是观众根本不会注意到的事，我以前觉得这有点过头了，觉得那是一种突发奇想的执念，但我发现，正确把控这些细节，是一种解脱，剥去这些元素是为了捕捉看不见的东西，摸不着的东西。有一个时刻就是这一现实的浓缩，我坚持要在我儿时的街道上拍摄。为什么要在那儿拍，因为那儿是一切的精髓所在，时间已经流逝，但空间却没有，时间不能倒流，我们对空间的感知比时间本身更持久。时间是转瞬即逝的，我想你可以说我很固执，我可以在另一条街道上拍，再说了，谁能看得出来呢？然而，是某种本质上的东西，让这一点变得尤其重要。
15.目睹了我的危机，拍一场戏牵出了我千丝万缕的情绪，我的心情糟透了，于是我径自去散步，一边走一边问自己你为什么这么生气，你被赋予了还原童年街道的机会，而且是精准还原，所有都很完美，你没有理由生气，我问演员，你有感受过强烈的窒息感么，演员说有，讲了自己的经历，我说好，就用这段经历来演。我就告诉他，你一上车你就感觉没那么窒息了，你开车离开时，你开始呼吸了，那是你多年来第一次松了口气，——那一幕效果很好，然后我意识到那场戏是我父亲抛弃我们一家的场面，这是我第一次没有作为局外人来评判这场戏，而是试图理解他的感受，我并不是在道德上为他的所作所为进行辩护，而是我理解了他的感受，这是我此前从未见过的，我55岁了，——你知道，作为导演，当你在拍电影时，你不能对你的角色进行批判，你只能试着去理解他们的动机和关系，我在为这个角色做舞台指导时我的内心对他有过批判，
16.这部电影从开拍开始就一直在扩大，我敢说扩大了三倍，一切方面都在扩大，一切事物都需要还原，还原到与过去一模一样，这样我们就不用担心了，然后我们就能任由时间在电影里流转，
17.我向来会参与我所拍电影的摄影艺术构思，什么时候光线等等，这意外着在这方面花更多的时间参与其中，这迫使我坐在摄像机旁，这又会触发一些记忆，增添新的细节，让拍摄场面更加充盈。我一定要在摄影艺术方面事必躬亲，
18.当你从一个较宽的角度拍摄长镜头时，你既没有优先突出角色也没有优先突出环境，情境和角色具有相同的权重，事实上也许情境更为重要，角色只是在情境中流动而已。拍特写镜头是在突出拍摄对象，演员人物本身，我非常喜欢特写镜头，但我不能容忍将它们作为叙事的捷径，在电视语言中，大多数商业电影的语言中，每次有角色说话，就会有特写镜头，然后又将特写镜头切换到回答的人，你闭着眼睛都可以看那些电影，那里面毫无艺术语言，从我决定拍这部电影开始，我就决定要拍黑白，只有这样才合理，在我眼里它不是彩色的，这是为传达意义而做出的根本决定。
19.我最初设想的是正方形格式，曾经讨论过，他让我考虑更宽的格式，
20.我知道这部电影必须保持客观，没有什么比远距离的推轨镜头更客观了，有些运镜技巧使我们不能使用的，比如滑动变焦太过主观，我想保持距离感，保持客观让各种时刻累积起来，从而传递情感。这会引发观众共情，这种共情是附带效果。我们没有主观地追随一个单一角色，我不想用克里奥的视角来呈现一切，她只是这个更广阔宇宙中的一个角色，故事是关于这个宇宙的，各个角色只是在其中穿行罢了。
21.女主/女演员不知道自己的孩子是死胎——
22.老实说，我想把这个场景拍到位，等太阳再低沉一点吗？是的，那样效果会更好！但不要浪费情绪
23.我很喜欢更传统的叙事性电影，我也很享受拍那种电影需要做的事，《罗马》的有些元素可能适合好莱坞，不过我不喜欢好莱坞电影这个概念，电影就是电影，电影有好有坏，有的传统有的经典，好莱坞什么都有，这两种电影形式都同样迷人，
24.但叙事很单薄的时候，你就只能从其他方面发挥，这就是电影让我感兴趣的地方，那种神秘感——我不知道怎么做到的
25.我甚至会说说罗马是我的第一部电影，这是我拍过的第一部真正体现了我电影理想的电影。——《罗马》幕后纪实的预告片，BGM是平克弗洛伊德
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三月份在完善一篇涉及录音的文，集中看了一些关于电影配乐后期混音的纪录片和报道访谈，报道访谈多数出自1905电影网（https://www.1905.com/）和公众号Filmsound.cn电影声音网，以及我自己根据感兴趣的关键词在网络上搜索的文章，没有一一记录就记不太清了，内容太多太杂也没法全部复制过来，挑选几个分享一下。
1.用《双虎屠龙》（The Man Who Shot Liberty Valance，1962）中的一句台词来解释When the legend becomes fact，print the legend.
关于《告密者》作曲家的趣闻也是如此，他极力要以米老鼠音乐的癫狂方式来模拟酒徒喝酒吞咽声【拟声】，这通常被引述为电影音乐美学中滑稽的巅峰。早在1937年，我们发现作曲家摩利斯·乔伯（Maurice Jaubert）在一篇被引述很多次的文章中指出：“在《告密者》中，（同步的）技巧被推到了完美的顶点，在模仿硬币落地声音的音乐线索中，甚至在——使用了具有暗示性的小琶音——一杯啤酒流进喝酒人的嗓子里的时候”。
Erik Aadahl强调：“关于《地心引力》我要说的太多了，简直不知道从哪儿开始。处理太空中的声音以创造逼真效果，这是这部影片的音效设计与混音技术的出色之处。太空处于真空状态，因此我们听不到任何经由空气传播的声音。我们只能听到经由身体传播的振动，这些振动将使你的内耳咔嗒作响。这是因为这部电影采取了非常有效的音效施措；所有音效都通过低端振动完成。
2.“音效的底线，也即声音最重要的部分－－无论是音效剪辑还是混音，就是我们要讲述故事，永远不要忘记这一点。能够讲故事的音效就是最好的音效。”－Erik Aadahl。
3. 但话说回来，不是每一部电影也可以给予你这样的空间去表现这种体味，我爱称之为一种「文学性」的特质。就是从作品中，你会感受到作者本身有自己的价值或态度，是一种比较有距离的阅读，高一点的阅读。
4.界定电影叙事中的音响，不外是叙境的和非叙境的（diegetic 和nondiegetic，也称“剧情声”和“非剧情声”）两种——换句话说，它要么是故事版图内的“原住民”，要么就被我们认定为来自人物栖居的那个虚构世界之外。电影的配乐就是非叙境声音最常见的形式，尽管它还不是唯一的：比如说，我们还可以区分由片中角色说出的叙境画外音（diegetic voice-overs，如《夜长梦多》或艾米·海克林［AmyHeckerling］的《独领风骚》［Clueless，1995］），和来自于看上去是匿名“叙事者”的非叙境的画外音（non-diegetic voice-overs，如《朱尔和吉姆》）。影片会把叙境与非叙境声音之间的界限模糊掉，有时出于喜剧效果的需要，有时也作为美学创新的因素。早期的有声电影，往往在先出现叙境旋律的前提下，畅行无碍地引入非叙境朱尔与吉姆的配乐。让·维果（Jean Vigo）的《驳船亚特兰大号》（L’Atalante，1934）中就有这种情况，在由佩尔·朱尔（米歇尔·西蒙［Michel Simon］饰演）演奏出那段旋律时，突然变成非叙境的带伴奏两重唱，这时，我们看到那对蜜月夫妇拥抱在一起。叙境的和非叙境的音响不应该与银幕内外的声音（on-and off-screen sound）混淆：一种声音或许是来自画外的（比如说一个尚未进入画面的人说了或者喊出了什么话），但它完全有可能仍是叙境内的。画外的声音能起到改变我们与影像之间关系的效果，尤其是能把我们的注意力引向画面以外的空间（这又是一个恐怖片经常使用的手法）。
5.好的电影作曲家是不会让观众在观看电影时察觉到音乐的存在，如果大家想仔细品味电影中的美妙配乐，董冬冬老师建议大家可以看两遍电影，在看第二遍的时候，基本的故事人物已经在第一遍时了解了，可以把更多的关注力放在音乐上。在关注电影镜头画面的同时，多多留意其中音乐的运用，体验电影音乐的魅力。
6.认为有创意的音效只专属大片，这是一种误解。实际上，许多低成本的独立影片中都有极具创意的声音运用。我刚从纽约翠贝卡电影节回来，我在一次大师班上和年轻导演Justin Tipping进行了对话。他执导了一部叫《Kicks》（注：Kicks在俚语中意为运动鞋）的电影。故事发生在加州奥克兰，一个小孩的一双运动鞋被偷了，他想尽办法想把这个鞋找回来。
这个导演和他的声音设计师对声音的理解很深刻，他们利用声音让城市成为令人难忘的一个角色，并强调了这个孩子的情绪变化。真希望这个片子用的是杜比全景声，效果会更好。
7.声音和画面的最基本关系是直接对应关系，即声音直接对应银幕上的画面，业内俗称“看到声音，听到声音”。但这是初学者的做法。更高阶的做法是，更抽象地使用声音，声音也不一定要对应画面。著名剪辑师和声音设计师沃尔特·默奇曾说：信息通过画面这个前门传达给观众，而声音是后门。声音更偏潜意识，所以用更为抽象的方式处理声音是没问题的。
8.后期声音制作有很多方面经常被误解，因为如果声音做好了，观众一般是看不到的。
9.后期声音制作是影像制作后期制作过程中的一个必须的而且复杂部分，甚至超越了画面工作。当然，影像制作与传播已经全面数字化，我们再也不会真正的“去制作电影”了，技术发展让声音制作越来越好越来越方便，但比以前的声音后期制作复杂很多。
10.“声音设计”这个词最早源自Walter Murch在电影《现代启示录》《Apocalypse Now 1979》中的声音创作，Walter Murch本是一名资深的剪辑师，被科波拉叫来制作声音，结果就是我们今天看到的，《现代启示录》成为了永恒的经典，是现代电影声音的开篇。为了强调他所设计的声音对这部影片做出的巨大贡献，导演Francis Coppola在片尾字幕中首次使用了“声音设计师”这个称谓。
“声音设计”（Sound Design）与“声音设计师”（Sound Designer）这两个概念是在1979年上映的影片《现代启示录》（Apocalypse Now）中首次被提出的，该片导演Francis Ford Coppola为了强调Walter Murch所设计的声音对这部电影做出的巨大贡献，在片尾字幕中首次使用了“声音设计师”这一称谓。这是第一部使用电脑混音软件制作完成的多音轨电影，5.1环绕声技术的运用在最大程度上模拟还原了战场环境——武装直升机空中盘旋游弋、武器声密集交织的热带丛林，给观众带来了前所未有的听觉体验。
11.人们通常认为Russolo发明了声音以及噪声的应用方法，而不是音乐，以此来增强电影画面的情感表达。实际上，这也就是我们现如今普遍称之为的“声音设计”的雏形。
Russolo受朋友Balilla Pratella的启发写下了未来主义的声音宣言——《噪音的艺术》（The Art of Noises）。Pratella同是一位未来主义者，他用一系列奇怪乐器和机械噪音制造器完成了一次完美的演奏，而正是这次表演在很大程度上给Russolo带来了该宣言的创作灵感。
12.1956年上映的电影《禁忌星球》（Forbidden Planet）在配乐的创作和设计上实现了历史性的突破。在该片的后期剪辑制作中，一些大场景音效的创作使用的是一种异乎寻常的方法，与以往声音有着极大的不同，例如宇宙飞船降落的声音。其创作理论基础来源于应用数学家Norbert Wiener1948年发表的《控制论——关于在动物和机器中控制和通讯的科学》一书。
《禁忌星球》飞船着陆片段
Louis Barron是《禁忌星球》中哔哔声、嗝声、嗖嗖声、呜呜声、颤动声、以及啸叫声等这些声音的设计者，他利用电子电路亲自做了一个环形调制器，并尝试为音频添加混响和延迟等效果。他的这些发明尝试较Moog合成器的出现整整早了八年，完全超越了时代的限制，为电影声音设计在技术层面的发展做了有益尝试。
另一部在声音设计发展史上具有里程碑意义的电影是《群鸟》（The Birds），该片由Alfred Hitchcock执导，1963年在美国公开上映，是一部堪称经典的恐怖片。声音设计师将拾取的真实鸟鸣声、振翅飞翔声与电子合成音相融合，经处理后运用到了影片的某些场景中，形成一种听觉上的冲击，有力地配合画面来渲染气氛。
13.电影的声音设计是一个艺术化的过程。从声音的整体表现来看，是对声音风格的设计；从声音的具体构成来看，是对声音细节的设计。
声音的风格大致可以划分为写实主义风格和表现主义风格。
写实主义是指对自然或生活做准确、详尽和不加修饰的描述。写实主义的声音设计以现实生活中的声音为参考，但不是还原生活真实，也根本不可能完全照搬拍摄现场的声音。一般从客观视点出发，声音的音色、音量、空间感等与它所处的空间环境一致，不做刻意的修改和变形。声音的透视关系也遵循现实生活的原则，在混响声、反射声的变化上符合自然的特征。
表现主义指的是一种着重表现内心情感的声音设计方法。既可以用来表现剧中人物的内心情感，即从主观视点出发来揭示人物的内心世界，也可以是创作者的内心情感，即创作者的态度和倾向。表现主义声音设计不以追求声音的真实感为目标，不重视声音的客观再现，而往往表现为对现实的扭曲和抽象化。还有一些表现主义声音设计没有任何现实依据，其目的只是对情绪、气氛的的渲染。
从主观视点出发的表现主义声音设计，是人物主观视点心理感受的外化，它体现了人物的某种幻觉或潜意识，强调的是一种无意识状态。这类声音设计不拘泥于客观声音的真实面貌，在声音的音色、音量、空间感方面，在各种声音的层次组成方面，可根据影片表现的内容、情绪、情感等进行修改、夸张和变形。
故事所提供的时间、地点、人物、情节、故事的类型或基调等，是声音细节设计最基本的出发点，同时也可为声音细节设计提供思路，具体表现可以从以下几点理解。
第一:叙事视点。对叙事视点的判断或选择在电影声音设计中至关重要，视点决定了观众从什么样的角度来观看，也就决定了观众对于声音和画面的理解。
第二：片头和片尾。对片头的声音设计可以针对片头的功能来考虑，是设定氛围还是带有简单的情节提示，是否需要强调某种声音动机，或者利用声音来强调某种意图。可以充分利用音乐的风格特征，通过节奏、调式、音色等来表情达意。
第三：故事发展。对于故事的发展方向，可以利用声音设计给出暗示，或者反其道而行之，让观众无法提前预知故事发展的方向，以制造更强的悬疑感。也就是说，声音对于故事的表现可以考虑揭示什么、隐藏什么。
第四：动机。声音动机指的是用来传达某种含义、表达某种意图的声音细节。故事中包含有哪些重要的声音元素，各个场景想要告诉观众些什么，对于这些问题，可以通过声音动机的运用来引导观众的关注焦点，把观众的注意力吸引到某些细节上。
第五：过渡。声音可以随着画面的剪接直接切换，也可以采用更富戏剧性的过渡方法。从声音剪辑点来看，声音提前和滞后是比较常见的，会给观众带来某种预见性、期待感或者留下回味的空间。声音可以缝合画面经过剪辑所产生的断点，减少断裂感，让剪辑点变得流畅，甚至让观众意识不到剪辑点的存在。
第六：声画对位。使声音和画面成为平行关系而不是重复关系，相互补充，相互映射，往往比单一的声画同步更具冲击力。
14.一个特定场景或需要许多低频的声音效果，那么作曲家就可以在画面与声音不重叠的部分做一些消音处理效果的音乐。
我曾被要求从某些歌曲中删除一个个鼓的声音，虽然这时候音乐似乎会显得不太正确或感觉很奇怪，但当与正在进行的场景的声音效果相结合时，发现这却是完全正确的抉择。
15.电影的终混棚通常建造成本很高，导致终混棚费用很高，所以终混的时间都是非常有限的，很多可以在预混完成的工作不会去占用终混时间来完成。
16.但是，即使细分每个分工类别与工作角色也不是绝对割裂的，不同的影片对声音有不同的特点需求，不同的预算以及不同的安排。尤其近几年，因为数字制作技术的快速发展让独立电影更加活跃，对于一些低成本电影，甚至有一个人几乎完成全部声音后期制作的案例。
17.很多低成本电影也经常一个人完成的所有声音编辑工作。而且，从目前整个影视声音制作发展趋势，同期录音部分越来越被算作声音编辑的一部分，也由声音编辑总监来统一负责。
18.华纳兄弟公司甚至早在《爵士歌手》时，就开始尝试混音多个留声机录音和不同内容的声音。用于制作爵士歌手的主录音的原始调音台，仍可在华纳兄弟的博物馆中观看，不超过四个或五个旋钮，但每个“轨道”仍然明显标有现代声音制作的基本分类：“音乐”，“人群”等等。
19.《正常人》每集30分钟一集片长，一共12集，从2019年5月开始进行了历时100天的拍摄。
声音后期工作是从2019年9月开始的，并对剧中一些关键地点进行了现场录音之旅。Niall于2020年5月下旬完成了本剧，而Steve于2020年6月中旬完成了最后的交付成果。
在这段时间内，Steve Fanagan和Niall Brady为BBC和Hulu提供了12集每集30分钟的《正常人》节目的声音后期，同时还根据该节目的主要发行商“Endeavor Content”的要求，监督了该系列节目的改版。该剧又被编成8集每集45分钟的剧集，再加上一个8集每集45分钟的“干净”版本。（“干净”的版本需要重新改变剧中任何攻击性的语言和删除一些裸体镜头）。
交付的每一集都有如下版本：
– 5.1混音和立体声混音
– 5.1和立体声M＆E混音
– 5.1和立体声DME
–各种5.1和立体声M＆E选件，
–各种音乐交付成果
此外，每个主要发行商（BBC、Endeavor和Hulu）都要求每集带有不同的交付要求、徽标、商业广告及命名协议。
《正常人》混音时间表分为三个部分：在一个板块中预混3集，然后在另外一个版块中终混它们，再在一个板块中进行筛查和修复。
20.我们生活在一个无时无刻都充满着惊奇声音的世界里，无论你生活在什么地方，你的生活里总会充满着各种神奇的声音。开始倾听这个世界吧！一遍又一遍地打开门，看看你能听到多少个不同类型的“吱吱声”【《理想伴侣》中小玩开关门的来源】。在现实世界中，你可以创造无限的声音组合。当我在audio legend（一个声音制作的培训机构）工作时，我曾经带着我的学生在学校外面的小巷子里，用瓶子砸瓶子，把东西砸在墙上，甚至是把东西点着，然后用手持录音机和手机记录下这些神奇的声音！
混录和匹配：当你反复地欣赏一部影片时，你会惊讶地发现，其实在许多电影中听到的声音实际上并没有真正发生过。大多数声音设计师会把多个声音组合混录在一起制作出更大、更复杂的声音。有时候是将多种枪声混录在一起，制作出更强大的声音；有时候是将多种机械设备的声音混录在一起，制作出复杂的机器人运动的声音。把声音混录在一起总会有新的发现，而且开辟了许多新声音的可能性。对于一名声音设计初学者来说，花几个月的时间来探索把自己从体验中收集到的多个声音文件混合在一起的方法是合理的，就像门的“砰砰”声、爆炸的响声、甚至把多种鼓声混录在一起，看看会产生什么样效果。探索是这门艺术的乐趣。
21.Tom Paul
当我们在设计一部电影的声音时，有了一些新的想法，要实现这些新想法的声音就要靠我们去发明和创造。就电影而言，50%是声音。作为一名声音设计师，我有一条原则：如果这个声音听起来不错，那么它就是好声音。
一个例子：一位著名的巴西导演和我的朋友Jo?oJardim在2011年制作了一部美丽的纪录片，叫《心灵之窗》（indow of the Soul），他拿来给我混录。其中第一幕是一个篝火的特写镜头。巴西声音设计师瓦尔迪尔·泽维尔（Waldir Xavier）用“潺潺”的小溪声代替火的声音，这个声音优美而赋有诗意。
当然，当我们被分配去制作一些声音时，是要满足一些标准和某些非常明确特征的。除此之外，任何画面里的声音都可以创造。声音设计可以把电影的场景联系在一起，形成一个有凝聚力的环境，从一个场景引导观众到另一个场景。当观众沉浸在影片里的世界时，其实声音设计师是为观众创造了一个想象的空间。在电影中一个好声音是经过深思熟虑考量的，是可以使观众轻松自在的，它会使观众对电影产生一种信任感，使观众接受这部电影的情节设计。坏的声音会使观众产生一种抵触心理，会让整部电影听起来很尴尬，而且会在观众和电影之间建立起一堵墙。好的声音可以提升电影的意境，让这部电影的故事更加真实。
22.每一个声音设计师都有一个自己多年来收集声音的音效库。我开始是作为一名同期录音师助理在世界各地旅行，为纪录片和剧情片记录声音，那时候我记录有许多原始的声音素材。我自己做的每一部新电影都会带来新的声音素材。《粒子狂热》（Particle Fever，2013，美国）这部电影是关于“大型强子对撞机”和“希格斯玻色子”的探索，需要创建非常抽象的声音设计，而且需要制作新的独特的声音合集，我之前在世界各地录制的许多原始声音素材就刚好用得上了。我也会经常挖掘一部新电影的原始声音素材以获得作为自己新的音效。在为电影《Sand Hogs》录音同期声时，我可以记录许多隧道底下的声音，其中包含了许多巨大地下钻的一些非常特殊的声音、炸药爆炸的声音以及其它在地下工作过程中的声音。
一名声音设计师和他的音效库经过多年的积累，有一些声音已经成为了他们喜欢用的声音。在讨论会中我们看到屏幕上的画面就知道在音效库里使用哪个声音是正确的。一个声音的选择是基于与画面精确同步的，而且是有意义和符合意境的。例如：如果一名导演告诉我，这个场景应该感到忧郁，我的脑子里会有一个声音的标准，因为我会寻找一些声音，比如一辆汽车缓缓驶过的声音之类的。我可能会试听5个或50个或者更多的声音，直到我找到一个感觉像“忧郁”的声音，或者我会找到一个类似的声音，然后修改它。我可能会改变它的音高、速度、EQ（均衡）或其它的效果，使它听起来感觉是正确的。通常一些声音组合，特别是有一些音调或音高元素的声音组合，它们可以根据公约的音乐谐波结构结合在一起，创造一个情感唤起的效果，就像乐谱一样。
23.有趣的是，默奇至今仍然保持使用旧式剪辑机那样的站立工作姿势，因为他认为电影剪辑是一种全身的舞蹈，坐着是无法跳舞的。
但在1970年，我们不仅没有这些尖端设备，更没有可以去到一间普通有回声的录音棚的渠道。所以我渐渐找出了一套自己的办法——拿着那些我想要添加色彩的声音素材文件，去到可以得到这种声音的真实环境，比如一个篮球场，在这里用一台录音机播出原始文件的声音，再在另一台录音机上录制出原本的声音和混响的声音。当我回到工作室，我会让两条音轨并排播放，一条是没有混响的，一条则是含有混响的。再慢慢调整它们的比例和均衡。这样你可以让“干”的声音占多数，加一点点混响，或者交换一下，仅有混响的声音，几乎很少的原声，等等。
24.“现场录音师在我的要求下带着立体声麦克风额外捕捉了拍摄地周围的蛙鸣声，这些美妙动听、独一无二的密西西比蛙鸣声被我恰当地用在了影片的空镜头中，而实践也证明了我的做法是对的。”
“用纯粹的声音来讲述故事就意味着要留白，也即在具体场景的声音混录中要合理调配对白比例。沉默也是一种独特的影视声音艺术，合理运用有时完全可以达到无声胜有声的效果。我们经常会发现在一些大的经典影视场景中很少会出现人物对白，而代之以纯粹的音乐或背景环境声，甚至有时干脆运用沉默的表达手法。”Thom如是说。
完美运用“声音沉默艺术”的标志性作品——《愤怒的公牛》
25.每次我都会制定一份工作计划，来留出时间进行一些创意性的试验。条件允许的话，我们会在每一个新系列开始前，先花大量时间来录制素材并慢慢建立起所需的音效库。这些预先的繁重工作最终会带来不一样的回报。我们越是少依赖于已有的音效素材，那么剧集的声音设计原创性就会越高，听到的东西也就更具特色。另外，我们还会录制一些道具等拟音素材，并把它们整理归档以备日后其他用途。
26.你访问任何地球上类似火星风景的地方吗?
我做到了。几个月前我开始在这个项目，我必须不停的去听那些声音,我几乎走遍了亚利桑那州和犹他州和加利福尼亚,内华达并且沙丘的豆科灌木丛中和死亡谷的盐沼中都录到了非常有用的声音。
27.DS︰通常的纪录片工作流程？你平常的日程安排是什么？你有什么特定纪录片声音设计理念吗？
CA︰给我找一个典型的纪录片我倒是能回答你这个问题，每一部纪录片其实都是不同的。
通常，我都会自己先看影片，随后再与导演一同观看。我已经有了很多经验所以多数导演习惯放手让我自己做事。我通常会花几周的时间去寻找适合影片内容深度的背景音乐和音效，我喜欢用两种不同的层面处理电影。首先一面是现实，就是真实看起来就是事实的东西，如果你不知道我在片子中做了什么“手脚”或者我是谁，那我的工作就是成功的。我还喜欢去尝试和探索一些电影中更富情感和潜意识方面的东西。例如，假设你看一部电影，并且晚上梦到了电影中的情节，然后你把这个梦告诉了别人，我想要的是那个人想象的图景。
DS︰我猜现实主义、 真实性、现场或特定时间的声音效果对纪录片而言应该是很重要的。你做了很多关于这部电影的声音研究？
CA︰我曾经做了很多很多研究。真实性确实很棒，但是真实是相对的，让影片更好向观众传达故事的真实才是最真实的。人们会对声音大小刚好的列车或摩托车声音感到激动，但最终，在现实生活中，枪声仅仅是非常响亮的。声音和故事之间的无缝交互总是我们想要达到的最真实的事。
28.声音设计是纪录片大纲设计中不可或缺的一部分，而不是收尾的工作。声音设计师不但要在后期制作中负责声音的制作，而且要负责整个前期的声音，在前期拍摄给予导演等主创一些建议。在纪录片前期拍摄中，导演需要声音设计师提供一些感官上信息的以便在大脑中形成一个大致的概念，在后期制作的过程中可以给专业的声音设计以及混录师一个艺术的风格标准，这对声音设计会产生极大的影响。
29.调音师喜欢在大扬声器上混音，因为它更容易听到微妙的声音，坦率地说这样混音会有更多的乐趣。小喇叭常常只是在偶尔在回放中使用，对于电视节目，混音也可以通过一个实际的电视播放。有一个声学现象（见弗莱彻曲线）要求响亮的声音层次有较明显的低音。这意味着，越响亮的混音演奏时，音乐将越明显。因为音乐通常比对话有更多的低音成分。在小型扬声器上，音乐一般会听起来更柔和。对于这一点和许多其他原因，调音师一般坚持在他们饿标准音量上混音。这可能会导致一个问题，除非你耳朵异常的灵敏，不然，标准音量似乎对人有点大。要明白，一个完善的录音室是一个理想的听力环境，在家里混音的效果永远不会那样好。记住这些是有用的。微妙的影响往往会消失。它也将有助于你在家里或者办公室里有一个优质的听力环境。
30.你在电影中使用了大量不同细节的风声，完美地增强了情绪和过渡。它的来源是什么，你使用了大量的变调处理创造它吗？
我尽我所能的使用自然风，我一直喜欢录风声，并积累了相当数量的录音。但肯定这些声音在定格动画里代表的风和沙与星星。我很幸运，世界上最优秀的声音编辑之一Ken Fischer来到这里，帮助背景声音的处理。我给了他很多的声音，让他把它们编织成美丽的东西。我尽量不做太多的声音的处理，这不是我倾向的工作方式。我发现目前非常常见的影片有着太多的去处理“声音”。对于科幻电影这可能很好，但在这样的电影，我希望的声音感觉是尽可能自然。因此，与其试图处理声音我宁愿花时间寻找或录制正确的声音。这并不是说没有声音被处理，在最后的音乐中，多多少少的会进行调控，但是，我尽力保持声音是干净和纯粹，如我喜欢的风吹过树林的声音，和风吹过的草的声音。
记录干净的声音很难，但我花了相当多的时间收集这些声音，这样，当需要在银幕上使用的时候，我有相当不错的一套录音素材，我的工作更多的是关于选择正确符合影片情感的声音，而不是试图“做”的声音。
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电影《电影配乐传奇》《制作音效：电影声音的艺术》记录
《电影配乐传奇》
1.即使是最小的影院里，也至少有一名钢琴师
2.阿尔弗雷德纽曼——电影配乐史上的标志性人物，《西部开拓史》《彗星美人》，福克斯开头标志性音乐
3.音效会议的目的是和作曲家交流，因为他告诉了我导演关注的是什么
4.构想出来的音乐要能为画面服务，并且不要喧宾夺主
5.作为一名电影配乐创作者，你就是叙事团队的一员
6.作曲家要表现得像心理医生，在导演混乱的思绪中，直击要害
7.我在想音乐应该从哪里进入
8.相同的旋律，不同的变体——通过运用主旋律，能帮助你理解剧情内的各种关系
9.拇指琴，卡林巴——非洲乐器
10.欲望号街车，是作曲家接【以前芭蕾舞音乐会】下的第一部电影配乐，革命性配乐，首部将爵士乐融入编曲
11.约翰巴里——不就是那个谁！前面有——《007》！【这里我做笔记的时候是想到了前面看到的报道orz】没有任何一部间谍或特务电影不参考邦德电影，这就像是意大利式西部片绝对少不了莫里康内的电影配乐
12.黄金三镖客 ，代表性电影配乐，就是把吉他音乐放入西部片的背景里
13.20世纪60年代是一段黄金岁月，伯纳德·赫尔曼【出身戏剧广播】——《公民凯恩》《出租车司机》《西北偏北》，创作的独特管弦乐曲，前无古人，《迷魂记》片名的那一幕简直是个完美的教科书式典范，并非优美的旋律，而是疯狂循环的片段旋律，他敢于尝试-《迷魂记》浴室
14.当你打开一本书，一片森林，你可以想象不同的森林，这些森林各不相同，配乐也一样，不同的作曲家读同一个剧本，他们对配乐的想法也会全然不同
15.我发现电影配乐很随性，原因之一是任何乐器都行得通，只要能让电影效果更好
16.我总是尝试将世间万物融入音乐，做事的方法没有绝对的对错之分只需要坚持尝试
17.哈利波特的配乐
18.我花了至少七个月为疯狂的麦克斯4配乐，反复尝试，用不同类型的鼓，合成鼓声
19.配乐，先让自己起鸡皮疙瘩
20.严格意义上来说，音乐是无形的艺术，你可以触摸乐器，可以触摸录制的光盘磁带唱片，但你永远不能真正触摸音乐，因为音乐只是一种不寻常的空气振动，音乐只是重塑了空间分子构造，所以如果一两卡车经过，会把空气分子推向我们内耳，如果有人在弹奏大提琴，同样会有空气分子进入我们的耳朵，只不过是结构变了，奇怪的是，仅仅是结构变了却产生了有趣而强大的变化，
21.从虚无中创造
22.电影配乐以及管弦乐这一门类，强烈吸引着神经学家和科学家，因为它有强大的情感传达能力，电影配乐金昌市在我们意识之外的，但影响巨大
23.当我们看一部九十分钟的电影，我们的眼球大约会运动21000多次，我们的眼球看到的都是同一个画面，比如，升调与画面中上升的事物匹配，在电影镜头中，我们的眼球运动轨迹竟然和配乐有关
24.好莱坞在60年代经历了一个奇怪的转变，尤其中期到70年代初，不再流行的一种配乐是老式管弦乐，现在的趋势是使用剧情中的音乐【毕业生】，民谣【雌雄大盗】，温馨类型的音乐组合
25.Jerry goldsmith杰里戈德史密斯，绝对是最有创意的作曲家，星际迷航，异形，对现代技术的运用，赋予技术新生，橡皮球敲击合金碗【人猿星球】，这个想法有点像管弦乐的变体，他的选择胆识过人，它将永远是科幻小说史上最伟大的作品之一
《唐人街》，为什么要四架钢琴？
26.《华丽冒险the rivers》，约翰威廉姆斯【七十年代绝对是他的年代】，《西区故事》，《桃色新闻》，没人知道整个领域都会改变，《大白鲨》哈哈斯皮尔伯格，他天赋还有如何在一部电影插入音乐，约翰不想让音乐喧宾夺主，《星球大战》主题曲，《超人》《夺宝奇兵》《et 》《侏罗纪公园》
27.乔治马丁，披头士制作人，Air录音棚——纪录片里一个交响乐团，86人，录制
28.音响师，一个负责坐在播放板后，操纵所有的音量控制器，安装了这里所有的麦克风，为我们制定所有的录制计划，他旁边的路易斯，操纵专业工具，控制我耳机里的声音，和其他音乐家耳机里的声音，他还要记下所有的镜头，确保它们的标签都正确，约翰他是一个音乐编辑，负责所有录音，负责选择选用到电影中的版本，还选择最终用于制作原声带专辑的版本，他旁边是管弦乐编曲家-我在电脑里进行创作，编曲家将文件转为乐谱，一个我能够指挥的乐谱，并且生成传给各个乐曲部门的分谱，这样他们就不用看完整的乐谱了
29.不同城市不同效果（影响力？）不同录音室，伦敦更柔和
30.洛杉矶，录音工作室，更强的声音演奏，过去每个作曲家都会亲自指挥乐谱，并不是说作曲家没有能力去指挥乐队，但更重要的是听，和导演一起坐在那，了解导演对音乐的感受，如果你和约翰鲍威尔汉斯季默交谈，他们会说他们更喜欢待在控制室control room，而不是指挥室conducting，因为所有的东西都是通过这里输入的，他们有更多的控制权
31.很多作曲家都喜欢待在录音棚booth里，这样可以更接近导演，但我个人觉得当我指挥我自己创作的音乐时，我能够把他呈现得最好，视奏音乐家sight-reading musician 录音室音乐家studio musician，真的是令人难以置信的类型，无论是出品人还是电影制作人，都问过要排多久，我说：不需要排练，就直接开始的，他们之前甚至从没见过谱子，what？what？有一种可以帮助视线视奏的技术，能够把大家凝聚到一起，作为一个工作室的视奏乐队，当你在写演奏谱/各，就是在写一封信，给他们一套指令告诉他们应该做什么，
32.有很多演奏者都想演奏到同一个音调，但没人做得到，每个人都会差一点，这就给了合唱的效果，如果一切都和谐完美，音乐可能就会变得很糟糕，这就像给etta james auto-tune一样，它会带走一首歌所有的灵魂，
33.这是一部动作片，一步顶级电影，所以更倾向于全面覆盖wall-to-wall，你知道《侠探杰克》有大约60分钟的音乐，而这部电影大约有110分钟
34.在电影制作完成之前，你会看到宣传板，你开车经过时可能会想，“但是配乐还没写出来呢”，最可怕的事情是当我乘坐纽约的地铁，在海报上看到名字，但是我才做好了一半音乐，我心想天呐，我还有很长的制作时间，还有两个半星期呢
35.电影的制作成本越高，电影公司时不时就会旁敲侧击一下，电影做得好不好就靠配乐了，【吓人！】
36.把这些所有东西放在一起的复杂性是巨大的，压力也是巨大的
37.迪士尼电影配乐总监——我们的工作室？我们已经投入了近5亿美元，每次我们只产出一部电影，你知道我们得承担多大风险吗？拍的每一部电影都必须是票房前20名，all-time box office，这是疯狂的，我只是认为整个行业的复杂性，给艺术形式带来了复杂性
38.在制作《世界末日》时，我真的从杰里布鲁克海默【好莱坞金牌制作人】那里得到了一个时钟，带着倒计时钟，倒计时到我们结束的那一天，那个时钟一直都低头不见抬头见，截止日期很可怕
39.你可以通过改变这段音乐来解决问题，也可以改变那段
40.1978-1979，有人打开了合成器synthesizer，合成音乐出现的时候，朋克音乐也出现了
41.danny Elfman，奇怪但精致的作品《剪刀手爱德华》《蝙蝠侠》，我在尝试学习伯纳德赫尔曼的早期作品，我发现其中只有一条规则，那就是没有规则，——他打开了一个庞大的管弦乐世界，
42.《肖申克的救赎》，托马斯纽曼，和danny相似，创造了他自己的声音，《美国丽人》，他的伟大之处是他总能设法掌握做成不确定之事的某种办法，它创造了一种存在于管弦乐背后的质感，阿尔弗雷多纽曼最小的儿子，《海底总动员》——每个人都在抄袭他，但他们都没有意识到
43.汉斯季默，《加勒比海盗》《黑暗骑士》《盗梦空间》
44.《社交网络》，从那以后，越来越多的电子艺术家开始为电影配乐，电子产品和工程，以一种完全不同的看待音乐的方式，这种方式通常更发自内心
45.科技，让每个作曲家都可能成为音乐制作人，尽管作曲的核心仍然是旋律
46.电影配乐本质上是一种录制艺术，有了录音之后，接下来就是混音，这也是制作过程中比较有技术含量的部分，在音乐被发走之前我都会进行最后一次混音，混音工作中的一部分就是为了确保这些旋律效果存在，
47.观察观众对你的音乐的反应，这是很酷的事情，我经常会走到前排，小心翼翼往回看，那些正沉浸在观看电影的观众，然后我会做一件很奇怪地事情，去洗手间，看看他们是否在哼唱，或是吹口哨，令人惊喜的是真的发生过很多次
48.一想到电影的生命比你长，这就很震撼疯狂，比我存在得更久
49.汉斯季默工作室在santa monica？
《制作音效：电影声音的艺术》——记不太清是不是这部里的笔记了，当时忘了标注
1.“我们的经历在很大程度上是被我们所听到的东西塑造的。”
2.在我们出生之前，只能看到黑暗，通过声音我们开始感知外界，听到母亲的心跳，声音让这个世界变得有意义
3.沃尔特·莫奇，《现代启示录》声音设计，sound designer：“声音对我们有更深层次的影响，甚至超过影像。”
“你实际上听到的是麦克的精神状态。”
最有趣的是大部分声音设计都加到剧本之中，并被设计成场景，我为这部电影的音效处理写了一个声音剧本来指导混音，Sound design sketches，沃尔特认为这样做效率会更高
声音编辑：每个声音剪辑都专门负责一方面的声音制作，直升机的声音，背景声音，自然环境方面，枪支器械方面，巡逻船，影片最终以6声道环绕格式放映——杜比立体声
《现代启示录》当时的声音工作流程，就成了现代电影声音制作的标准了，声音在电影里起了非常重要的作用，他开创了现代电影声音设计的先河
4.奥逊·威尔斯导演过广播剧《世界大战》【广播剧欸！】
5.声音让环境充满活力
6.约翰凯奇——他的概念是一切都是音乐，甚至连观众在剧院里发出的声音都是音乐
7.从技术上讲，使用的并不是真正的音乐，但它让人联想到情感和意义
8.披头士《左轮手枪》，那是一种发自内心的感觉，你可以感觉到你身体里的声音
9.乔治马丁带来了混音和创造性的声音设计——披头士乐队音乐制作人
10.Revolution9——披头士——让我着迷
11.《黑暗骑士》终混师——70年代，看到电影nashville，jim webb（现场混录师）的造诣领先于那个时代，并打破了很多限制
12.“你愿意帮wookiee这个角色收集声音素材吗？”这距离正式开机还有大约一年的时间——我知道这个声音是整个电影基础的一部分，决定了这部电影将会是什么样子，所以这一切都必须提前很久就解决——所以我按照星战的剧本继续工作，我通读了一遍，做了一些笔记，分解了一下，我意识到剧本里有成百上千的东西，小到达斯维德的呼吸，大到整个死星，所以我在我的公寓里做了几个月的功课，带着探索的心态去洛杉矶的各个角落收集声音素材，同时乔治卢卡斯在英国忙电影的前期拍摄，他想让我出去录下真正的电机声，我开始录我能想到的所有东西，我们听到的声音都是真实的，我们不想遵循传统科幻片的惯例，我们没有使用电子合成器或类似的东西，使用电子音乐技术，我们用的都是真实的音效。当他们拍摄归来时，我整理了一张纸条：我们会把录音带送到北加州。所以我开始把准备好的音效剪切进剪辑好的影片里，他们的音调赋予了意义，我们在用“音调”来表达一种对我们有效的声音，我可以用嘴发出一些声音，还可以在电子键盘上弹点什么
13.我一直认为动画是一种视觉媒介，但是当我开始把合适的音效加入以后——皮克斯创始人竟然有乔布斯——整体效果会好上一千倍
14.我可以录下真实的声音素材然后加载到电脑里，在键盘上操纵它们，录下这些声音你不知道它们会用来做什么，但它们很有趣，稍后，你会发现一些声音的感觉听上去像是悲伤的，或是快乐的——他把电脑数字动画推向了新高度
15.侏罗纪公园中的声音简直令人难以置信
16.第一部数字动画长篇玩具总动员——声音的使用，同时又能表达情感上的意图
17.希区柯克，他会编写一份声音剧本
18.《黑客帝国》声音设计：我一直对科技有一种爱恨交加的感觉，我的一部分崇尚传统的工匠手艺的制作，另一部分喜欢这些花哨的新工具，但归根结底，这不仅与技术发展有关
19.凯·罗斯Kay rose她是第一位获得奥斯卡最佳音响效果奖的女性，她能听到本不该在那里的喀嚓声和爆裂声
20.自动化对话重置——adr这是在录音棚里重新录制的对白，你挑出来一些可能听起来有质量问题的台词，演员们必须来录音棚重新录制，然后我们进行编辑，把重录的声音贴回去，与荧幕上演员的表演相匹配
21.我们的工作同时也会增加一些背景人物的声音，这就是我们说的群体adr
22.特殊效果-SFX
23.拟音foley，我们真正做的是定制音效
24.环境音——当我爬上去时，那些坠落的声音从我身边呼啸而过
25.声音设计师：我只需要你去户外录音，我知道一百英里内的每条小溪，当我在电影里听到这些声音的时候，我能感觉到小溪的湿气，我可以感觉到这股气息的存在，
26.李安——风
27.音乐——与情感有着直接的联系，声音制作的最后一个元素
28.最后一步——将这些内容进行混音的阶段——终混——关键部分——所有声音元素，集合在一起，你像一个乐队指挥，哪里大一点，哪里小一点
29.终混还考虑声音在屏幕上的位置，以为他们是如何移动的——所有声音保持动态——把这些元素放在一起，为每个元素彼此之间创造合适的位置，这就是终混的核心——过程是非常细致缓慢的
三、第26/27章中关于星星的描述
关于星星晕过去醒过来的描述，灵感出自马尔克斯《世界上最美的溺水者》中的《巨翅老人》：
加勒比地区最不幸的病人都到这里来寻医问药：一个可怜的女人从很小的时候就开始数自己的心跳，现在已经数不过来了，一个牙买加人被星星的声音吵得无法入睡，一个梦游症患者每天夜里起来把自己醒着的时候做的东西一一拆散，还有好多病情稍微轻一些的人。
——说星星吵，让我把星星当做了一个人来想象，由此引出晕过去醒过来
马尔克斯的比喻神奇精妙，下次整合一下印象深刻的句子
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